Buscar
Mostrando ítems 301-360 de 609
Visual and Sound Analysis of Onírica Mecánica’s ‘Alicia y las ciudades invisibles’. Independent Theatre in Commercial Networks
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2020, Núm. 45
Acceso abierto
<p>Este trabajo reflexiona sobre la posibilidad de que el teatro independiente encuentre espacio en salas o teatros habitualmente considerados como comerciales, a partir del análisis del espectáculo Alicia y las ciudades invisibles de la compañía de la Región de Murcia Onírica Mecánica. Para ello, es necesario partir de una definición de teatro independiente en un sentido amplio y contemporáneo, en base a la cual se enmarcaron las II Jornadas de Teatro Independiente en el Institut del Teatre. Así, se argumenta el interés de investigar el trabajo de la compañía dentro de su línea de teatro de objetos y se estudia mediante el espectáculo analizado si las características de independencia se encuentran en la poética de Onírica Mecánica. Finalmente, se da respuesta a la pregunta de partida conforme a todas las consideraciones anteriores. La metodología llevada a cabo se encuadra dentro del análisis de los espectáculos, centrado en la plástica escénica (escenografía, iluminación, caracterización, vestuario, diseño gráfico y videoescena) y en el diseño de sonido, describiendo cada elemento formalmente y luego encontrando su sentido dramatúrgico. Se buscará dar con la estrategia estético-estilística del espectáculo, su objetivo de escenificación y núcleo de convicción dramática.</p>...
De camí cap a «Andreas»
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2020, Núm. 45
Acceso abierto
<p><strong></strong>This paper explores the stages that structured Andreas, Jonathan Châtel’s rewriting of The Road to Damascus by August Strindberg. Based on the questioning of the uncertain identity of the character of the Stranger, the task of rewriting revolves around key themes: the dream of changing lives, the desire to disappear, the dizziness of madness. Andreas, a labyrinthine dream play in dialogue with the Strindberg path, has also been a meditation on the act of writing and the role of the maternal figure in creation. </p>...
<p>Aquesta comunicació ressegueix les etapes que van estructurar Andreas, reescriptura de Jonathan Châtel del Camí de Damasc d’August Strindberg. A partir del qüestionament sobre la identitat incerta del personatge del Desconegut, el treball de reescriptura es fonamenta al voltant de temes essencials: el somni de canviar de vida, el desig de desaparèixer, el vertigen de la bogeria. Andreas, joc de somni laberíntic en diàleg amb el camí stringberià, també ha resultat ser una meditació sobre l'acte d'escriure i el rol de la figura materna en la creació.</p>...
<p>Aquesta comunicació ressegueix les etapes que van estructurar Andreas, reescriptura de Jonathan Châtel del Camí de Damasc d’August Strindberg. A partir del qüestionament sobre la identitat incerta del personatge del Desconegut, el treball de reescriptura es fonamenta al voltant de temes essencials: el somni de canviar de vida, el desig de desaparèixer, el vertigen de la bogeria. Andreas, joc de somni laberíntic en diàleg amb el camí stringberià, també ha resultat ser una meditació sobre l'acte d'escriure i el rol de la figura materna en la creació.</p>...
Xerrada entre Davide Carnevali i Carles Batlle
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2018, Núm. 43
Acceso abierto
17 de gener de 2018 al’Auditori de l’Institut del Teatre de Barcelona. Arran de la presentació del llibre de Carnevali, Forma dramática y representación del mundo en el teatro europeo contemporáneo, Institut del Teatre / Paso de Gato, Ciudad de México / Barcelona, 2017....
(17 January 2018 at the Auditorium of the Institut del Teatre in Barcelona. On the occasion of the presentation of Carnevali’s book Forma dramática y representación del mundo en el teatro europeo contemporáneo. Institut del Teatre / Paso de Gato: Mexico City / Barcelona, 2017....
(17 January 2018 at the Auditorium of the Institut del Teatre in Barcelona. On the occasion of the presentation of Carnevali’s book Forma dramática y representación del mundo en el teatro europeo contemporáneo. Institut del Teatre / Paso de Gato: Mexico City / Barcelona, 2017....
Editorial
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2020, Núm. 45
Acceso abierto
Producció i recepció en el teatre: La concretització del text dramàtic i espectacular
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1985, Núm. 26
Acceso abierto
<p>A dialectic model applied as much to the aesthetic of production as to the aesthetic of reception is indispensable in dramatic theory, something with dramatic analysis clearly reveals. The (director's) dramatic analysis ...
Entrevista amb Peter Stein
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1985, Núm. 26
Acceso abierto
<p>Peter Stein has been at the forefront of a team of actors, playwrights and theatrical designers for more than a decade, and he has converted the Schaubühne into one of the most important theatrical initiatives in Europe. ...
El «happening», un intent de definició
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1985, Núm. 26
Acceso abierto
<p>The happening is a type of entertainment which was born in the United States and which is closely related to the avantgarde. In fact it attempts to extend the notion of theatre to every manifestation of life, as defined ...
Vladimir Tzekov. Laboratory of Stage Action. Dependencies and Independence of Contemporary Theatre
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2020, Núm. 45
Acceso abierto
<p>In spring 2008, Santiago del Hoyo and Manuel Bonillo settled in Granada after having worked for three years with the company @lma @lter in Bulgaria. They brought together an unstructured and heterogeneous group of people with different backgrounds, contexts and profiles, and created a theatrical rarity that they introduced at the Universidad de Granada that same year. It was entitled Rapsodia n.º 2: “La vida es sueño” and was born of the intersection of a Brahms rhapsody, a pseudo-random selection of the text of Calderon's play, and an overactive philosophical obsession. The theatrical experiment was a success, and they received a small grant that they fully invested in renting premises of 40 m² in a deprived neighbourhood in Granada. In September 2009 they boldly opened the venue to the public, where they offer comprehensive courses in "stage creation" and free shows three times a week. Since then they have produced more than twenty shows, toured some of the most important international experimental theatre circuits, and continue with their stage rarities, which critics and audiences alike regard as unclassifiable. Coinciding with the beginning of spring 2019, the 2nd Research Conference on Independent Theatre was held at the Institut del Teatre. The specification ("independent") of the call first caused bewilderment, and then controversy. The Vladimir Tzekov case, which feels challenged by both, is presented here as a bid to discover, denounce, contradict and subvert its own conditions of possibility, which are the conditions of possibility of its (in)dependencies.</p>...
<p>La primavera de 2008, Santiago del Hoyo i Manuel Bonillo s’instal·len a Granada després de treballar durant tres anys amb la companyia @lma @lter a Bulgària. Arrepleguen un grup informe i heterogeni de gent procedent de diversos espais, contextos i perfils, i creen una raresa teatral que presentaran aquell mateix any a la Universitat de Granada. Es titula Rapsodia n.º 2: «La vida es sueño» i neix de la intersecció d’una rapsòdia de Brahms, una selecció pseudoatzarosa del text de l’obra de Calderón i una neura filosòfica hiperactiva. L’experiment teatral resulta ser un èxit i reben una petita subvenció que invertiran, íntegra, en el lloguer d’un local de 40 m² en un barri quinqui de Granada. S’ho juguen tot al tot o res i el setembre de 2009 obren l’espai al públic, on ofereixen cursos integrals en «creació escènica» i espectacles gratuïts tres cops per setmana. Des d’aleshores han produït més de vint espectacles, han girat per alguns dels circuits més rellevants del teatre experimental internacional i persisteixen en les seves rareses escèniques, que públic i crítica coincideixen a qualificar d’incategoritzables. Coincidint amb l’inici de la primavera de 2019, se celebren a l’Institut del Teatre les II Jornades d’Investigació en Teatre Independent. L’especificatiu («independent») de la convocatòria genera primer desconcert, i després polèmica. El cas Vladimir Tzekov, que se sent interpel·lat per l’un i per l’altra, es presenta aquí com una aposta per descobrir, denunciar, contradir i subvertir les seves pròpies condicions de possibilitat, que són les condicions de possibilitat de les seves (in)dependències.</p>...
<p>La primavera de 2008, Santiago del Hoyo i Manuel Bonillo s’instal·len a Granada després de treballar durant tres anys amb la companyia @lma @lter a Bulgària. Arrepleguen un grup informe i heterogeni de gent procedent de diversos espais, contextos i perfils, i creen una raresa teatral que presentaran aquell mateix any a la Universitat de Granada. Es titula Rapsodia n.º 2: «La vida es sueño» i neix de la intersecció d’una rapsòdia de Brahms, una selecció pseudoatzarosa del text de l’obra de Calderón i una neura filosòfica hiperactiva. L’experiment teatral resulta ser un èxit i reben una petita subvenció que invertiran, íntegra, en el lloguer d’un local de 40 m² en un barri quinqui de Granada. S’ho juguen tot al tot o res i el setembre de 2009 obren l’espai al públic, on ofereixen cursos integrals en «creació escènica» i espectacles gratuïts tres cops per setmana. Des d’aleshores han produït més de vint espectacles, han girat per alguns dels circuits més rellevants del teatre experimental internacional i persisteixen en les seves rareses escèniques, que públic i crítica coincideixen a qualificar d’incategoritzables. Coincidint amb l’inici de la primavera de 2019, se celebren a l’Institut del Teatre les II Jornades d’Investigació en Teatre Independent. L’especificatiu («independent») de la convocatòria genera primer desconcert, i després polèmica. El cas Vladimir Tzekov, que se sent interpel·lat per l’un i per l’altra, es presenta aquí com una aposta per descobrir, denunciar, contradir i subvertir les seves pròpies condicions de possibilitat, que són les condicions de possibilitat de les seves (in)dependències.</p>...
Conferència del 26 de juny de 1982
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1988, Núm. 29
Acceso abierto
<p>After an artistic practice devoted to minimal sculpture, art criticism, movies, artist's books, etc... I began working with sounds and I realized that most of the things I have done are based on words and language.</p>
<p>As regards the series I am just finishing now, United States, it is basically structured in four parts: transportation, politics, money and love. Each section has a kind of direction associated to a hand gesture. One of its main themes is the use of technology as a means.</p>
<p>One of the reasons that I use a lot of filters in sounds is to try to understand voices without bodies. Most of the voices in my work come through very different systems such as the one used in airports, where the speaker's voices is heard over the radio or the TV.</p>
<p>The difference between my work and theatre is that I am neither really creating characters withs pasts and futures, nor relating them to things like motivations. My characters are tones of voices.</p>
<p>I like to make a situation in a performance in which you are not actually really sure whether you have it or seen, it... In relation to that, one question that I used to gest asked a lot was: «What are you? Are you a sculpture ora musician ora filmmaker or what?» I never thought that it was a very important question, but it has something to do with virtuosity. Rather than being technically proficient within the rules of that particular medium, virtuosity is a resonating mechanims of the words where my works come out from.</p>...
Creació escenogràfica col·lectiva. Aproximació al concepte d'espai escènic en els espectacles de La Fura dels Baus, Zotal i La Cubana
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1990, Núm. 31
Acceso abierto
En el teatre contemporani, de preeminència visual, no podem parlar d'una escenografia mimètica respecte a una realitat concreta, sinó que el concepte d'escenografia es dilata per convertir-se en concepte d'espai escènic entenent-lo com principi organitzatiu dels diferents signes escènics; és a dir, com a part constitutiva d'un conjunt d'elements indissociables de la totalitat d'un espectacle. Una de les constants d'aquest espai escènic és mostrar-se fragmentat, com un collage que l'espectador exigeix una contínua recomposició. En aquest treball d'aproximació, trobem la traducció de l'esmentat espai escènic, pròpia i diferenciada, en els espectacles dels tres grups estudiats: espai com a lloc d'exploració i d'esdeveniments simultanis que obliguen a la integració d'elements dispersos en els espectacles de La Fura dels Baus; asimetria i fragmentació de l'espai en zones significants, i inestabilitat de volums i superfícies en l'espectacle </span><span lang="ca-ES">Zombi</span><span lang="ca-ES"> de Zotal; i l'aparició del teatre dins del teatre, ambigüitat compartida pels dos espais associats a </span><span lang="ca-ES">La tempestat</span><span lang="ca-ES"> de La Cubana....
La teoría del teatro político de Erwin Piscator
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1976, Núm. 21
Acceso abierto
Tres experiències sobre coreografia i espai
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1990, Núm. 31
Acceso abierto
A partir de la descripció de les concepcions espacials i escenogràfiques de dues de les joves companyies de dansa més representatives de l'actual panorama català, Mudances i Danat Dansa, Àngels Margarit i José Menchero ...
No ser Leonardo. Conversa amb Pep Duran
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1990, Núm. 31
Acceso abierto
Pep Duran sintetitza de forma molt representativa la confluència dels interessos purament plàstics amb els teatrals en un mateix impuls creatiu. Duran explica la seva experiència d'artista plàstic que assumeix, si convé, ...
Notes i comentaris sobre un ofici temerari
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1990, Núm. 31
Acceso abierto
Per a un escenògraf que, com el que signa l'article, procedeix d'un altre àmbit professional, en aquest cas de l'arquitectura, l'esforç d'intentar conjugar l'abast de totes dues disciplines li sembla necessari i fins i tot ...
Le théâtre actuel en Roussillon : deux dramatisations collectives
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1973, Núm. 17
Acceso abierto
Shakespeare a Catalunya, fins a 1937
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1973, Núm. 17
Acceso abierto
¿Juego performativo o gamificación escénica? Qué es una «gameformance» y por qué a la escena interactiva debería interesarle
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2021, Núm. 46
Acceso abierto
<p>La siguiente reflexión tiene como objetivo explorar el concepto de gameformance y algunas de sus definiciones, a partir del análisis que hace el investigador y diseñador Sebastien Deterding (game studies), sobre los alcances de la gamificación en la creación escénica contemporánea. Más allá de la pretensión del ejercicio taxonómico, resulta interesante observar ciertos elementos extraídos de la construcción de la teoría de los juegos, que han sido aplicados de distintas maneras en la creación de dispositivos escénicos co-creacionales por diversos autores y colectivos artísticos. La identificación de ciertos conceptos, aplicables en términos prácticos, eventualmente puede facilitar la tarea de las mismas creadoras y creadores que se embarquen en la construcción de una escena con pretensiones de ser «jugable».</p>...
<p>The following reflection aims to explore the concept of gameformance and some of its definitions based on the analysis by the researcher and designer Sebastien Deterding (game studies) on the scope of gamification in contemporary theatre creation. Beyond undertaking an exercise in taxonomy, it is interesting to look at some elements taken from the construction of game theory that have been applied in different ways to the creation of co-creation theatre devices by several creators and artistic collectives. The identification of certain concepts, applicable in practical terms, can eventually enable the task of those creators who embark on the construction of a theatre that seeks to be “playable”.</p>...
<p>The following reflection aims to explore the concept of gameformance and some of its definitions based on the analysis by the researcher and designer Sebastien Deterding (game studies) on the scope of gamification in contemporary theatre creation. Beyond undertaking an exercise in taxonomy, it is interesting to look at some elements taken from the construction of game theory that have been applied in different ways to the creation of co-creation theatre devices by several creators and artistic collectives. The identification of certain concepts, applicable in practical terms, can eventually enable the task of those creators who embark on the construction of a theatre that seeks to be “playable”.</p>...
Xavier Fàbregas, crític teatral, o l'estratègia del jugador d'escacs
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1989, Núm. 30
Acceso abierto
La posició estratègica que en Xavier Fàbregas tenia des de les editorials, en els jurats de premis, l’Institut del Teatre, etc., li va permetre descobrir i fer descobrir autors joves i obres de teatre de dramaturgs clàssics ...
El melodrama expresionista de Valle-Inclán y el extrañamiento dramático
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1976, Núm. 21
Acceso abierto
«La vida es somni»: del text a l'escena
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1976, Núm. 21
Acceso abierto
Un rudiment de teatre valencià del segle XVIII
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1976, Núm. 21
Acceso abierto
<p>Inclou el text «Raonament que tingueren dos llauradors de</p>
<p>el poble de Vinaleza pues avent vengut à esta</p>
<p>Ciutat àveure la proseso del Sr. Sent Vicent</p>
<p>Ferrer; els Causà gran novetat, el no beure ...
Registre de funcions. Teatro Romea, II (gener-març de 1866)
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1973, Núm. 17
Acceso abierto
Matèria que performa. Estudi ontològic de la matèria i el sentit a Henri Bergson i Karen Barad
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2021, Núm. 46
Acceso abierto
<p>En aquest article aprofundeixo en com es concep la matèria en l’obra d’Henri Bergson i Karen Barad, qüestionant així la divisió cartesiana entre cos i ment.</p>
<p>D’una banda, exposo com Bergson entén la matèria, no com una cosa sinó com un procés, i destaco com aquesta té un paper clau en l’experiència de la durada, configurant per tant la realitat com un procés d’esdevenir-amb. Malgrat que els diagrames de Bergson sovint es representen com a estàtics, soc del parer que en realitat estan impregnats de moviment i que hauríem d’entendre’ls com que estan movent-se. Aquest vincle de la matèria amb la durada i la transformació desdibuixa les distincions habituals entre matèria i llenguatge i demostra ser especialment útil quan pensem en la dansa i la performance com a arts de la matèria, que materialitzen i es materialitzen (arts of mattering).</p>
<p>D’altra banda, segueixo la descripció que fa Barad de la mecànica quàntica per tal de subratllar que la matèria no es pot separar del sentit, atès que el coneixement no es pot produir a partir de la matèria, sinó que sempre es construeix des de dins de la matèria. La insistència de Barad en l’elaboració de coneixement com una pràctica encarnada fa palès un fort compromís polític amb el món com un procés continuat de materialització que ens obliga a repensar el significat de l’agència des d’un punt de vista posthumanista.</p>
<p>Tant per a Bergson com per a Barad, podem dir que la matèria performa. A tall de conclusió, plantejo com un enfocament semblant ens pot ajudar a pensar i practicar la dansa i la performance més enllà del marc cartesià de la primacia del llenguatge.</p>...
<p>In this paper I elaborate on how matter is thought of in the work of Henri Bergson and Karen Barad, thus challenging the Cartesian split between body and mind.</p> <p>On the one hand, I disclose Bergson’s envisagement of matter not as a thing but as a process, and stress how matter plays a central role in the experience of duration, therefore shaping reality as a process of becoming-with. Although Bergson’s diagrams are usually figured as static, I argue that they are actually imbued with movement and should be seen as moving. This bond of matter to duration and transformation blurs common distinctions between matter and language and proves especially useful when thinking of dance and performance as arts of mattering.</p> <p>On the other hand, I follow Barad’s description of quantum mechanics in order to highlight that matter cannot be torn apart from meaning, since knowledge cannot be produced out of matter but is always constructed from within matter. Barad’s insistence on the production of knowledge as an embodied practice reveals a strong political commitment to the world as an ongoing open process of mattering that asks us to rethink the meaning of agency from a posthumanist point of view.</p> <p>I argue that, for both Bergson and Barad, matter can be said to perform. I eventually raise the question of how such an approach can help us think about and practise dance and performance beyond the Cartesian framework of the primacy of language.</p>...
<p>In this paper I elaborate on how matter is thought of in the work of Henri Bergson and Karen Barad, thus challenging the Cartesian split between body and mind.</p> <p>On the one hand, I disclose Bergson’s envisagement of matter not as a thing but as a process, and stress how matter plays a central role in the experience of duration, therefore shaping reality as a process of becoming-with. Although Bergson’s diagrams are usually figured as static, I argue that they are actually imbued with movement and should be seen as moving. This bond of matter to duration and transformation blurs common distinctions between matter and language and proves especially useful when thinking of dance and performance as arts of mattering.</p> <p>On the other hand, I follow Barad’s description of quantum mechanics in order to highlight that matter cannot be torn apart from meaning, since knowledge cannot be produced out of matter but is always constructed from within matter. Barad’s insistence on the production of knowledge as an embodied practice reveals a strong political commitment to the world as an ongoing open process of mattering that asks us to rethink the meaning of agency from a posthumanist point of view.</p> <p>I argue that, for both Bergson and Barad, matter can be said to perform. I eventually raise the question of how such an approach can help us think about and practise dance and performance beyond the Cartesian framework of the primacy of language.</p>...
Notas para un simposio
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2021, Núm. 46
Acceso abierto
El teatre, la festa, el mite, el ritual quotidià
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1989, Núm. 30
Acceso abierto
La important obra que com a crític i historiador teatral realitzà en Xavier Fàbregas ha enfosquit, en bona part, un altre vessant del seu treball investigador: tot allò que es refereix al seu treball com a divulgador i ...
La llum del teatre
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1983, Núm. 22
Acceso abierto
<p>lt is a fact that a large number of directors still feel enthusiastic about lights and use them with great pleasure. Lights and their function in theatre are at crossing where opposite ways both converge and come apart. ...
L'observador implacable: vint anys de teatre català
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1989, Núm. 30
Acceso abierto
Aquest treball parla del seu testimoni quotidià, de la seva capacitat d’observació, del valor quasi notarial de les notes que traduïen aquelles observacions i que certifiquen vint anys de teatre català.
Abans de l’aparició ...
Agrupament, Creativitat i Desinhibició
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1973, Núm. 17
Acceso abierto
L'escenografia en els límits de l'art i el teatre
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1990, Núm. 31
Acceso abierto
A Catalunya hi ha una llarga tradició de col·laboració dels artistes plàstics amb el món teatral, però sempre des de la perspectiva d'extrapolar el seu treball artístic fins més enllà dels límits de la pintura o l'escultura i col·locar-lo en un escenari teatral, adaptant-lo a les exigències d'un text, com ha passat en els treballs de Guinovart, Clavé, Cardona Torrandell, Tharrats, etc. A finals de la dècada dels setanta, però, es creen certs espectacles que fan confluir dos mons des d'altres perspectives: el grup Claca va escenificar </span><span lang="ca-ES">Mori el Merma</span><span lang="ca-ES"> emprant les figures i els telons realitzats per Joan Miró; el poeta Joan Brossa, amb els músics Carles Santos i Mestres Quadreny i amb el Ballet de l'Eixample de Barcelona, confirmen aquesta confluència d'interessos sobre un escenari. Durant la present dècada, són nombroses les realitzacions catalanes en què l'escenografia se situa en els límits de l'art i del teatre: des de les que es sotmeten rigorosament a les lleis teatrals, passant per les que per plantejament s'han convertit en accions parateatrals, fins a aquelles que han quedat com a mera utopia o les que s'han fonamentat en moltes de les experiències rupturistes que l'art va aportar a les dècades dels seixanta i setanta, per revisar-les des de l'òptica d'una teatralitat que aconsegueix revestir d'una acusada modernitat. Tot això per constatar que en arribar al final d'aquesta dècada, les contaminacions entre els diferents camps de la creació es fan cada vegada més evidents i que els interrogants segueixen oberts davant l'horitzó dels noranta....
«Mary d’Ous», un punt d’inflexió
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1983, Núm. 22
Acceso abierto
<p>This work is a compilation of the results of a seminar made by the Department of Theatrical Sciences of the lnstitut del Teatre of Barcelona about the “Analysis of shows recorded in video”; it takes part in the effort, more and more widespread all over the world, to bestow on the theatrical criticism, as it is called nowadays, its own and true statute of independent and theoretical reflection.</p>
<p>We have chosen Mary d'Ous, a show by Els Joglars, because it is the topmost point of a theatrical conception based on the absence of a plot and also the last one of this kind of shows. In fact, after Mary d'Ous, Els Joglars changed completely. Alias Serrallonga, their following show, belongs no more to the same universe.</p>
<p>We believe that Mary d'Ous is the most current show of Els Joglars because it is the one which makes most clear the present needs of the dramatic criticism and which gives us more reasons and more images to try to overcome them.</p>
<p>We reproduce here a fragment of the text written by Els Joglars to hand it out: “Mary d'Ous: Variations on two themes. Show begum in Pruït (Barcelona) in June 1972 and finished in Barcelona at the beginning of December of the same year. The formal purpose of this show can be summarized as follows: it constitutes an attempt to obtain a maximum of scenic efficiency, using a minimum of elements related both to the plot and to the scenography. The show is based on a series of improvisations and studies made by the actors on the generic theme of the musical arrangement transposed to the dramatic process (canon, fugue, counterpoint, variations on themes, etc.).”</p>...
Reflexions sobre el fenomen de la «performance»
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1988, Núm. 29
Acceso abierto
<p>lt has always been difficult to define the performance, just because of its character, its originality and its interest: multiplicity, mobility and polymorphy. So, we could say that it is rather a kind of spirit related to a precise period than a kind of artistic work. One of the most suitable ways of analyzing that phenomenon from a personal point of view is approaching it personally, contacting directly the main protagonists of the accionist movements during the seventies.</p>
<p>After an analysis of the different key moments of the development of the performance, concerning the dates and the geographical locations, it is necessary to look over its close ties with theatre, which will give rise to such artists as Hermano Nitsch, whose activity is characterized by the absence of aspecific support. Nevertheless, there is one point where performance detaches itself from theatre: in the perfomance is the artist himself who puts in show. It is necessary to eliminate, both in theatre and painting or sculpture, all that means a return to the matter, to the technical skill. The means is the artist who devotes himself in public to a real act, neither simulated nor dramatized, notas an actor but as person who acts.</p>...
Fluxus & Zaj
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1988, Núm. 29
Acceso abierto
<p><span style="font-weight: 400;">Aquest text presenta els moments més actius del grup FLUXUS durant la primera meitat dels anys seixanta. Després de fer un repàs dels noms més significatius, les actituds, els manifests ...
L’escena litigiosa de l’emancipació: una anàlisi política de la dissensió a «Mouthpiece» (2018), de Kieran Hurley
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2021, Núm. 46
Acceso abierto
<p>Quins són els mecanismes de poder subjacents en la transmissió d’un relat concret? ¿Sota quins paràmetres pot l’espai teatral esdevenir un locus de contestació d’aquest règim d’intel·ligibilitat, o bé un dispositiu de cooptació institucional? Partint del concepte de dispositiu de Giorgio Agamben i de la seva vinculació amb la noció d’allò polític de Jacques Rancière, aquest assaig es proposa d’indagar en el potencial emancipador de les estratègies dramatúrgiques que, en lloc d’estructurar la representació en una diegesi tancada, l’obren a la possibilitat del seu desajustament.</p>...
<p>Which power mechanisms underlie the process of a story’s transmission? Under which parameters can the theatrical space become a locus of contestation of a concrete regime of intelligibility, or rather a device of institutional cooptation? Departing from Giorgio Agamben’s concept of the apparatus, I will use Jacques Rancière’s concept of the political to explore the emancipatory potential of dramaturgical strategies which, rather than structuring the performance in a closed diegesis, crack it open to the possibility of its disruption.</p>...
<p>Which power mechanisms underlie the process of a story’s transmission? Under which parameters can the theatrical space become a locus of contestation of a concrete regime of intelligibility, or rather a device of institutional cooptation? Departing from Giorgio Agamben’s concept of the apparatus, I will use Jacques Rancière’s concept of the political to explore the emancipatory potential of dramaturgical strategies which, rather than structuring the performance in a closed diegesis, crack it open to the possibility of its disruption.</p>...
El quadern de direcció d’«Otel·lo», de William Shakespeare, espeblert per Konstantin Stanislavski
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1983, Núm. 22
Acceso abierto
<p>This article is a compilation of the conclusions of a seminar where the contents of the direction notebook which Stanislavsky wrote up in Nice in 1929 were analysed in order to direct the group Art's Theatre of Moscow in its play Othello by Shakespeare. After the issue of the notebook' s French edition (Mise en Scene d'Othello. Éditions du Seuil. Paris, 1973), the seminar tried to take out from it the most interesting aspects related to the theatre. Thanks to the accurate instructions given by the master to his group Art's Treatre, the seminar was able to dissect the essential and constant elements of Stanislavsky's work from the text by Shakespeare. The first part of that article, entitled “Directing actors is a dramatic art”, explains the formal keys of the notebook and analyses its dramatic deal, the criterion followed to omit certain parts of the original text, the scenographic conception and the way to deal with the characters. That analysis reveals Stanislavsky's way of adapting Shakespeare to his method of directing actors, which, in short, is equivalent to bringing tragedy to the drama's field. The second part, entitled “Advices given by the master”, emphasizes sorne fragments of the direction notebook of Othello, which can be considered excellent and practical lessons in the field of the self-control of the actor's energy in the performance.</p>...
La ciutat com a escenari a Rimini Protokoll: una conversa amb Helgard Haug
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>El matí de la seva intervenció en el simposi «Teatre i Ciutat» celebrat a Barcelona, la directora i autora Helgard Haug, fundadora de Rimini Protokoll, va rebre l’Observatori d’espais escènics UPC-ETSAB a l’Institut del ...
Place-making from the Urban Palimpsest
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>Based on the concept of the city as a palimpsest, a kind of constant superimposition of physical layers and traces of tangible and ephemeral memories to be explored again in each historical moment and each urban path, ...
interActing with Architecture
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>The Compagnie un tour de Suisse was created in 2012 out of the meeting between the actress and director Hélène Cattin and the architecture and dance critic Anna Hohler. Their shared interest in architecture and in travelling theatre provides the framework for their joint work. The aim is to stage texts by architects in non-theatre venues, to put a given place of the city into an immediate relation with the text and theatre action. In other words: unveil the architecture, heritage and social use of a building through its transformation into a stage while expressing a given architectonic thought by fitting it into a real stage.</p>
<p>The first play by the company, Être un bâtiment - ein Gebäude sein, based on writings by Peter Zumthor, was performed from 2012 to 2016 in 17 different locations in Switzerland, Austria, France and Spain. The second creation by the Swiss directors, La transformation (Umbau), focuses on the Austrian architect Adolf Loos, pioneer of the Modern Movement, and was premiered in 2016 in a former chocolate factory on the outskirts of Lausanne. Today, these two plays have been performed in over 28 different architectural spaces, such as a swimming pool, a student’s residence (Le Corbusier’s in Paris), abandoned industrial warehouses, a former convent and the Mies van der Rohe Pavilion in Barcelona.</p>...
<p>La Compagnie un tour de Suisse nace en el 2012 del encuentro entre la actriz y directora Hélène Cattin y la crítica de arquitectura y de danza Anna Hohler. Su interés compartido por la arquitectura y por un teatro itinerante constituye el marco de su colaboración. Se trata de montar textos de arquitectos en espacios escénicos fuera del recinto teatral, de poner en relación inmediata un determinado lugar de la ciudad con el texto y la acción teatral. Dicho de otra forma: desvelar la arquitectura, el patrimonio y el uso social de un edificio a través de su conversión en escenario. Y, en paralelo, desvelar un determinado pensamiento arquitectónico insertándolo en un escenario real.</p> <p>La primera obra de la compañía, Ser un edificio, basada en escritos de Peter Zumthor, se representó entre 2012 y 2016 en 17 lugares distintos en Suiza, Austria, Francia y España. La segunda creación de las directoras suizas, La transformación, está dedicada al arquitecto austriaco Adolf Loos, pionero del Movimiento Moderno, y se estrenó en 2016 en una antigua fábrica de chocolate a las afueras de Lausana. Hoy en día, estas dos obras han sido representadas en más de 28 espacios arquitecturales diferentes: una piscina, una residencia de estudiantes (la de Le Corbusier en París), unas naves industriales abandonadas, un antiguo convento o el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona, entre otros.</p>...
<p>La Compagnie un tour de Suisse nace en el 2012 del encuentro entre la actriz y directora Hélène Cattin y la crítica de arquitectura y de danza Anna Hohler. Su interés compartido por la arquitectura y por un teatro itinerante constituye el marco de su colaboración. Se trata de montar textos de arquitectos en espacios escénicos fuera del recinto teatral, de poner en relación inmediata un determinado lugar de la ciudad con el texto y la acción teatral. Dicho de otra forma: desvelar la arquitectura, el patrimonio y el uso social de un edificio a través de su conversión en escenario. Y, en paralelo, desvelar un determinado pensamiento arquitectónico insertándolo en un escenario real.</p> <p>La primera obra de la compañía, Ser un edificio, basada en escritos de Peter Zumthor, se representó entre 2012 y 2016 en 17 lugares distintos en Suiza, Austria, Francia y España. La segunda creación de las directoras suizas, La transformación, está dedicada al arquitecto austriaco Adolf Loos, pionero del Movimiento Moderno, y se estrenó en 2016 en una antigua fábrica de chocolate a las afueras de Lausana. Hoy en día, estas dos obras han sido representadas en más de 28 espacios arquitecturales diferentes: una piscina, una residencia de estudiantes (la de Le Corbusier en París), unas naves industriales abandonadas, un antiguo convento o el Pabellón Mies van der Rohe de Barcelona, entre otros.</p>...
Manifests Are Meant to Clear the Air and Challenge – Nobody Has the Right to Obey
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>The commentary classifies Roger Bernat’s and Roberto Fratini’s FFF manifest, published in 2018, as an artistic praxis. It shows that the drafting itself of a manifest can be understood as a performative practice: the commented text, which is only perceived in a mediate manner in terms of its information content, appears as performative; in other words, as it directly reaches the readers and with the associations and ideas it unleashes.</p>
<p>It is not until the “guidelines of an aesthetics of devices” emerge, announced towards the end of the manifest, that it also becomes the description of an aesthetic programme. In its turn, this aesthetic practice can target political objectives while creating an aesthetic confusion, unfolding a critical effect on itself and acting as a call to an autonomous performance. The readers of the manifest, as well as the audience of an FFF performance, can adopt and put into practice a stance of their own within the debate that this provokes.</p>...
<p>El comentari classifica el manifest de FFF de Roger Bernat i Roberto Fratini, publicat el 2018, com a praxi artística. Mostra que la pròpia redacció d’un manifest pot ser entesa com a pràctica performativa: el text comentat, que tan sols és percebut de manera mediata pel que fa al seu contingut informatiu, apareix com a performatiu, és a dir, tal com arriba directament al lector i amb les associacions i idees que desencadena.</p> <p>No és fins que sorgeixen les «directrius d’una estètica del dispositiu», anunciades cap al final del manifest, que també esdevé la descripció d’un programa estètic. Per la seva banda, aquesta pràctica estètica pot apuntar a objectius polítics i al mateix temps causar una confusió estètica, desplegar un efecte crític sobre ell mateix i actuar com a crida a una actuació autònoma. Els lectors del manifest, com també els espectadors d’una representació de FFF, poden adoptar i posar en pràctica un posicionament propi dins del debat que això provoca.</p>...
<p>El comentari classifica el manifest de FFF de Roger Bernat i Roberto Fratini, publicat el 2018, com a praxi artística. Mostra que la pròpia redacció d’un manifest pot ser entesa com a pràctica performativa: el text comentat, que tan sols és percebut de manera mediata pel que fa al seu contingut informatiu, apareix com a performatiu, és a dir, tal com arriba directament al lector i amb les associacions i idees que desencadena.</p> <p>No és fins que sorgeixen les «directrius d’una estètica del dispositiu», anunciades cap al final del manifest, que també esdevé la descripció d’un programa estètic. Per la seva banda, aquesta pràctica estètica pot apuntar a objectius polítics i al mateix temps causar una confusió estètica, desplegar un efecte crític sobre ell mateix i actuar com a crida a una actuació autònoma. Els lectors del manifest, com també els espectadors d’una representació de FFF, poden adoptar i posar en pràctica un posicionament propi dins del debat que això provoca.</p>...
Matadero Madrid: Modern Ruin, City of the Arts
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>In the mid-20th century theatre creators such as Artaud, Grotowski and Brook, driven by a different vision of the mise-en-scène, developed major reflections on the performing space, which took them to use abandoned ...
Contemporary Theatricalities between the Private Space and the Public Space. The Experience of What Is "Unheimlich"
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>The relationship between the private and public dimensions is one of the main pillars of the discourse on the performing arts. The architectonic space of theatre dialogues with the urban space in which it is located and ...
Theatre Architecture Mapping: Catalogue of Berlin Performing Spaces
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>The digital reproduction of the theatre architecture collection of the Technische Universität Berlin provides extensive documentation for research and contextualisation. With more than 10,000 photographs, drawings and ...
FFF: The Friendly Face of Fascism. Per una estètica dels dispositius
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>Manifest de la companyia teatral The Friendly Face of Fascism creada l’any 2008 per Roger Bernat i altres, on s’elaboren les directrius d’una estètica dels dispositius.</p>
Carmen Tórtola Valencia, la construcció dels personatges
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2018, Núm. 43
Acceso abierto
Carmen Tórtola Valencia (1882-1955) va ser una ballarina de danses orientals i d’estil lliure, reconeguda per molts intel·lectuals i artistes, que va viure el seu moment de glòria durant el primer quart del segle xx. Dona ...
The Ignorance of Participation as an Act of Poetic Resistance: Introduction to the Manifest of the Company FFF: "The Friendly Face of Fascism"
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>The following introduction seeks to provide some of the main characteristics of the scenic poetics set out in the manifest "FFF: The Friendly Face of Fascism. For an Aesthetics of Devices" that Roger Bernat and Roberto Fratini present in the journal Estudis Escènics.</p>
<p>Although the participation and involvement of the spectator are the main features of the poetics of the company, the authors emphasise in the manifest certain opposition to and betrayal of participation based on the emancipation and festive illusion of the audience (in opposition to what happened in 1960s and 1970s theatre). The participatory devices conceived by the company create systems in which the spectators-dependants can fulfil or distort the instructions conveyed by the dramaturgical design while being able to develop critical thought faced with their role and fictional stance. In this way, there is an ignorance of participation, which is the company’s stylistic hallmark.</p>
<p>The manifest, in this respect, very clearly sets out its idea of participation, based on a mobilisation of the audience far removed from the principles of disinhibition. Fratini and Bernat stress the importance of inhibition faced with disinhibition to understand participation as pure aesthetic data, a format that enables the social and political role of the spectators to be re-imagined.</p>...
<p>La siguiente introducción quiere proporcionar algunas de las principales características de la poética escénica expuesta en el manifiesto FFF: The Friendly Face of Fascism. Para una estética de los dispositivos que Roger Bernat y Roberto Fratini presentan en la revista Estudis Escènics.</p> <p>Si bien la participación y la implicación del espectador constituyen los datos principales de la poética de la compañía, los autores subrayan en el manifiesto una cierta oposición y traición de la participación basada en la emancipación y la ilusión festiva del público (en antítesis a lo que ocurría en el teatro de los años sesenta y setenta). Los dispositivos participativos ideados por la compañía crean sistemas en los que el espectador-dependiente puede cumplir o tergiversar las instrucciones transmitidas por el diseño dramatúrgico y, al mismo tiempo, puede desarrollar un pensamiento crítico frente a su rol y su posición ficcional. De esta manera, se produce un desconocimiento de la participación que es la cifra estilística de la compañía.</p> <p>El manifiesto, en este sentido, expone de forma muy clara cuál es su idea de participación, basada en una movilización del público muy lejana de los principios de desinhibición. Fratini y Bernat exponen la importancia de la inhibición frente a la desinhibición para entender la participación como puro dato estético, un formato que permite repensar el rol social y político del espectador.</p>...
<p>La siguiente introducción quiere proporcionar algunas de las principales características de la poética escénica expuesta en el manifiesto FFF: The Friendly Face of Fascism. Para una estética de los dispositivos que Roger Bernat y Roberto Fratini presentan en la revista Estudis Escènics.</p> <p>Si bien la participación y la implicación del espectador constituyen los datos principales de la poética de la compañía, los autores subrayan en el manifiesto una cierta oposición y traición de la participación basada en la emancipación y la ilusión festiva del público (en antítesis a lo que ocurría en el teatro de los años sesenta y setenta). Los dispositivos participativos ideados por la compañía crean sistemas en los que el espectador-dependiente puede cumplir o tergiversar las instrucciones transmitidas por el diseño dramatúrgico y, al mismo tiempo, puede desarrollar un pensamiento crítico frente a su rol y su posición ficcional. De esta manera, se produce un desconocimiento de la participación que es la cifra estilística de la compañía.</p> <p>El manifiesto, en este sentido, expone de forma muy clara cuál es su idea de participación, basada en una movilización del público muy lejana de los principios de desinhibición. Fratini y Bernat exponen la importancia de la inhibición frente a la desinhibición para entender la participación como puro dato estético, un formato que permite repensar el rol social y político del espectador.</p>...
Artes Vivas: definición, polémicas y ejemplos
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2018, Núm. 43
Acceso abierto
El artículo revisa el concepto de Artes Vivas en el ámbito de las artes escénicas en España y se interroga sobre qué tipo de manifestaciones artísticas podría abarcar el término Artes Vivas. La relevancia de este artículo ...
La caza de brujas. El chivo expiatorio de la mediciona moderna («Vinegar Tom»)
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2018, Núm. 43
Acceso abierto
Este artículo explora la obra de teatro Vinegar Tom (1976) de la dramaturgainglesa Caryl Churchill (1938). Los objetos de estudio son la figura del otro,uno de los temas principales de Churchill, la caza de brujas que tuvo ...
El credo poético como sistema de reflexión autónoma acerca de los procesos de creación escénica
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2018, Núm. 43
Acceso abierto
<p>En el presente trabajo introducimos la categoría de credo poético que hemos elaborado al problematizar los modos en que un artista escénico genera reflexión dentro de y en torno a su práctica. El credo poético de un ...
Els teatres de la ciutat de Barcelona i l’art comunitari: una aproximació
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>Al llarg de la darrera dècada, les polítiques culturals i teatrals han tendit a integrar el concepte de la «cultura com a recurs» (Yúdice, 2003) amb l’objectiu de transcendir-lo des d’una perspectiva de sostenibilitat ...
Nocturno de «Café Müller». Una lectura
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2018, Núm. 43
Acceso abierto
En este trabajo se analizan las fraseologías, los objetivos poéticos y los temas de Café Müller de Pina Bausch (1978), tratando de subrayar, por un lado, los múltiples vínculos entre su poética y las formas de anacronismo ...
Al refugi, a l’edifici i a la intempèrie. Quatre casos de reciclatge en l’arquitectura teatral
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>The article focuses on four cases in the area of Barcelona of arts buildings and facilities with a theatre auditorium, which in the last twenty years have recycled and restored former cultural centres and association ...
Theatre and Architecture in Palma
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>The study of the place of theatre in Palma is research that shows its existing, closed and vanished venues throughout the history of the city. It is apreliminary and ongoing inventory covering 98 performance spaces, ...
Algunes qüestions sobre la relació de Fabià Puigserver amb Polònia
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>Quan es parla de la trajectòria vital i artística de Fabià Puigserver indefectiblement es fa referència a la seva experiència i a la seva formació com escenògraf a Polònia, on visqué i s’educà entre 1951 i 1959. Segons ...
El meu recorregut per/amb Strindberg
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2020, Núm. 45
Acceso abierto
<p>Aquesta comunicació repassa les etapes que Jean-Pierre Sarrazac ha tingut en relació amb August Strindberg des del 1983 fins al 2018, en les seves aportacions com a director d’escena, dramaturg, assagista i autor dramàtic. ...
Lluèrnia, escenografies de llum i foc a l’espai públic
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>Lluèrnia, festival del foc i de la llum, és un esdeveniment anual que se celebra a Olot, el segon dissabte de novembre, i que convida creadors de diverses disciplines a plantejar una nova mirada sobre els espais urbans ...
Urban Ruptures as Pre-Existing Potentials of Theatre: The Arnau Project
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>In this article, we will start from the axiom that, as a place of confluence of opposing forces, the city provides the conditions for various ruptures to manifest as urban circumstances and as structuring and destructuring ...
La localització espacial de l’activitat teatral. Una anàlisi a partir del cas de Barcelona
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
<p>Les activitats culturals —i els teatres no en són una excepció— interactuen amb els espais urbans on s’implanten. Ara bé, malgrat aquest potencial, pocs estudis han analitzat les interaccions entre teatres i espai urbà. ...
Editorial
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2019, Núm. 44
Acceso abierto
Problèmes des dramaturges français
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2013, Vol. 0, Núm. 39-40
Acceso abierto
Estrategias dramáticas brechtianas en las obras Cloud Nine y Top Girls de Caryl Churchill. El extrañamiento en Betty de Cloud Nine y en Marlene de Top Girls
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 2018, Núm. 43
Acceso abierto
<p>Este trabajo se centra en el análisis de los textos teatrales Cloud Nine (1979) y Top Girls (1982) y los sobrepone a la teoría del extrañamiento de Bertolt Brecht. Una de las metas de este trabajo es el de estudiar ambas ...
«Accions» i La Fura dels Baus
Artículo
Estudis escènics: quaderns de l'Institut del Teatre. 1986, Núm. 28
Acceso abierto
<div id="articleAbstract">
<div>
<p>La Fura dels Baus has gone across the Iberian Peninsula performing Accions and it has reached Argentine. People has thought that the group was bom with this show but that is not true. We should know its history. La Fura dels Baus appears in 1979 and in 1982 is reorganized. Its first actions have taken place in the streets of Sitges in 1983. Nowadays La Fura is composed of ten members and they define themselves as a theatre-music cooperative. One of the writings signed by the group is entitled “Manifest canalla” and reads as follows: «every action is a practical exercice, an agressive performance against the audience's passivity». Accions is a show which has been constructed in an empiric way: its plasticity is a combination of both painting and sculpture. They have never started from an academic idea to resolve plastic questions. Pyrotechnics are an important element in the show. In Accions there is neither actors nor characters but people perfoming actions. You can only talk about it in full details after having seen the show several times.</p>
</div>
</div>
<div id="articleFullText"> </div>...